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COMO SERÁ O RESPIRE MÚSICA 2011

2011-12-17T08:49:00.000-08:00

Na quarta edição do RESPIRE MÚSICA, a Rio Música inovou. Em vez de apenas um dia de eventos, serão dois.

Segue a programação abaixo:

Hoje - Dia 17 _____________________________________

LOCAL: LAPA CAFÉ - Av. Gomes Freira, 457 – Lapa – Rio de Janeiro

18:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE I -
- Primeira sessão - Show dos alunos da Rio Música

20:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE I -
- Segunda sessão - Show dos alunos da Rio Música

22:00 h
SHOW COM A BANDA: PALÁCIO MODERNO

Amanhã - Dia 18 _____________________________________

LOCAL: TEATRO ODISSEIA - Rua Mem de Sá, nº 66. Lapa. Rio de Janeiro.

14:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE II -
- Primeira sessão - Show com as bandas:
Fishpick
Fusca Alado
Banda dos Alunos do Rodrigo Andrade

16:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE II -
- Segunda sessão - Show com as bandas:
Aromas da Guanabara
Nina e os Ninos
Nix

18:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE II -
- Terceira sessão - Show com as bandas:
Banda do Guimas de Terça 19h
Cosmonautas
Mentos

20:00 h
QUEM SABE FAZ AO VIVO – PARTE II -
- Quarta sessão - Show com as bandas:
O Velho Cosme
Os Zagos

PRATICA DE BANDAS 2012

2011-12-13T12:54:00.001-08:00

RESPIRE MÚSICA 2011

2011-12-10T15:12:00.000-08:00

Lista Amiga (antecipado): R$ 15,00 enviar o nome para riomusica@riomusica.com.br até o dia 16/12

Ingressos na hora R$ 20,00.

Seletiva Respire Música

2011-11-28T07:35:00.000-08:00

SEXTA BÁSICA - NOVEMBRO

2011-11-22T08:37:00.000-08:00

Apenas 4 acordes

2011-08-01T12:42:00.000-07:00

Os Axis of Awesome fizeram um vídeo que ficou muito famoso na internet, sobre como era possível criar uma música de sucesso usando sempre os mesmos 4 acordes. Depois de muitos pedidos eles criaram um video oficial:

As músicas tocadas foram: Journey — “Don’t Stop Believing” James Blunt — “You’re Beautiful” Black Eyed Peas — “Where Is the Love” Alphaville — “Forever Young” Jason Mraz — “I’m Yours” Train — “Hey Soul Sister” The Calling — “Wherever You Will Go” Elton John — “Can You Feel The Love Tonight” (from The Lion King) Akon — “Don’t Matter” John Denver — “Take Me Home, Country Roads” Lady Gaga — “Paparazzi” U2 — “With Or Without You” The Last Goodnight — “Pictures of You” Maroon Five — “She Will Be Loved” The Beatles — “Let It Be” Bob Marley — “No Woman No Cry” Marcy Playground — “Sex and Candy” Men At Work — “Land Down Under” Theme from America’s Funniest Home Videos Jack Johnson — “Taylor” Spice Girls — “Two Become One” A Ha — “Take On Me” Green Day — “When I Come Around” Eagle Eye Cherry — “Save Tonight” Toto — “Africa” Beyonce — “If I Were A Boy” Kelly Clarkson — “Behind These Hazel Eyes” Jason DeRulo — “In My Head” The Smashing Pumpkins — “Bullet With Butterfly Wings” Joan Osborne — “One Of Us” Avril Lavigne — “Complicated” The Offspring — “Self Esteem” The Offspring — “You’re Gonna Go Far Kid” Akon — “Beautiful” Timberland featuring OneRepublic — “Apologize” Eminem featuring Rihanna — “Love the Way You Lie” Bon Jovi — “It’s My Life” Lady Gaga — “Pokerface” Aqua — “Barbie Girl” Red Hot Chili Peppers — “Otherside” The Gregory Brothers — “Double Rainbow” MGMT — “Kids” Andrea Bocelli — “Time To Say Goodbye” Robert Burns — “Auld Lang Syne” Five for fighting — “Superman” The Axis of Awesome — “Birdplane” Missy Higgins — “Scar”

A paixão de Gilberto Gil pelo Reggae

2011-07-07T05:42:00.000-07:00

Por: Lucas Vieira

“Depois do samba e do baião, o que eu mais gosto é de reggae."

Gil, um dos arquitetos da nossa música, sempre soube somar valores. Em uma entrevista nos bastidores do Festival da TV Record, no ano de 1967, já revelava isso, quando referia-se a ter se juntado aos Mutantes para defender sua música no dito festival. “Eu encontrei esses três jovens, dois rapazes e uma moça. São excelentes instrumentistas, excelentes pessoas com sensibilidade, com percepção artística. Então porque, de repente, eu vou me privar desse valor que está junto a mim, que pode contribuir pro meu trabalho e pro trabalhos de todos? Acho besteira!”, dizia Gil. Em “Domingo No Parque”, Gil reunira suas raízes da música brasileira com o rock dos Mutantes e ganhou o segundo lugar no Festival. Anos depois, Gil veio a se apaixonar pelo som jamaicano, disseminado no mundo por Bob Marley, quando já de volta do exílio pelo qual permaneceu quatro anos em Londres, ouvira Jimmy Cliff tocar no rádio a música “No, Woman no Cry”, de Bob Marley, que mais tarde o baiano fizera uma versão e gravara. Começamos a perceber a influência do reggae na música de Gil na canção “Norte da Saudade” (Perinho Santana/Moacyr Albuquerque/Gilberto Gil), no disco Refavela (1977). Depois desse episódio não ficou nem um pouco difícil ouvir o Reggae na música de Gil, que ao longo de sua carreira fez diversas canções no dito gênero e gravou inclusive um disco inspirado na obra de Bob Marley em 2002, o Kaya N’ Gan Daya. Abaixo, algumas amostras da influência do reggae no som do Gil:

Vamos Fugir

Lançada no disco Raça Humana, em 1984, esse talvez seja o reggae mais famoso de Gilberto Gil. Feita em parceria com o produtor Liminha, anos depois essa música faria muito sucesso com a regravação da banda Skank.

Esotérico

Em 1982 no disco Um Banda Um, Gil aparecia com uma versão totalmente diferente da apresentada por Gal e Bethania nos Doces Bárbaros. O arranjo místico dessa versão não saiu devendo nada a gravação anterior, contando com backing vocals femininos, característicos do estilo.

A Novidade

Com grande sucesso atingido pelo Paralamas do Sucesso em seu disco Selvagem?, Gil gravaria sua parceria com o trio roqueiro uma década depois, em seu disco acústico. A presença da flauta dá um ar especial ao clássico.

Waiting in Vain

Como sempre em sua carreira, Gil ousou nessa música, e fez isso muito bem. Parte do disco Kaya N’ Gan Daya, o baiano pegou o reggae do Bob Marley e misturou com os nossos instrumentos. Ouvimos nessa interpretação cavaquinho, acordeom e no seu desfecho um trecho da música tocado em ritmo de samba.

Segundo o relato do Gil, o que o aproximou do Reggae não foi uma questão espirituosa ou política, foi somente o som. Algo no Gil revela que o Reggae casa com a alma dele, algo que está dentro dele e ele consegue transimitir perfeitamente.

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Lucas Vieira mora em Cordeiro-RJ, é o criador do projeto “Dizconauta”, tem 17 anos, está no último ano do Ensino Médio e é autor do Blog THE LUCAS`S DISCOPÉDIA.

Para saber mais sobre ele acesse: http://dizconauta.wordpress.com

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DREAM THEATER FAZ REALITY SHOW PARA ESCOLHER NOVO BATERISTA

2011-07-01T14:31:00.000-07:00

Após a saída de Mike Portinoy do Dream Theater, dizendo “não ter mais tempo por causa das intermináveis respnsabilidades do Dream Theater”, ele saiu em turnê com a banda Avenged Sevenfold, substituindo Jimmy Sullivan, falecido em 2009. Ao sair do Avenged Sevenfold, pediu aos seus ex-companheiros para voltar ao Dream Theter – pedido que foi rejeitado.

Essa série de videos mostra como foi a saga para escolher Mike Mangini, que já tocou em bandas como Annihilator, Extreme, James Labrie e Steve Vai, e que agora é o novo baterista do Dream Theater.

Dream Theater - The Spirit Carries On - Ep.1 - Legendado from Gustavo Sampaio on Vimeo.

Dream Theater - The Spirit Carries On - Ep.2 - Legendado from Gustavo Sampaio on Vimeo.

Dream Theater - The Spirit Carries On - Ep.3 - Legendado from Gustavo Sampaio on Vimeo.

O que fazer nesse feriado?

2011-06-22T06:19:00.000-07:00

Para saber mais acesse:

http://www.riodasostrasjazzeblues.com/joomla/index.php?option=com_content&view=article&id=55&Itemid=67&lang=pt

Saiba como é o show que Eric Clapton trará ao Brasil

2011-06-20T18:03:00.000-07:00

Publicada em 20/06/2011 às 00h18m

Fernando Duarte (fduarte@oglobo.com.br)

LONDRES - Nesses tempos de superabundância de informação, há tempo de sobra até outubro para que fãs de Eric Clapton no Brasil, sobretudo os que comprarem ingressos para o maior show da passagem do legendário guitarrista pelo país (dia 9 na HSBC Arena, além de apresentações em Porto Alegre , dia 6, e em São Paulo , dia 12), ficarem sabendo: dizer que a atual turnê do britânico é low profile é pouco. Sem efeitos visuais e com um tom intimista simbolizado por contatos raros e curtos de Clapton com o público, a experiência de vê-lo hoje, já perto dos 70 anos (está com 66) e depois de várias temporadas livre do apego de aditivos, é de apreciação musical, não de agito.

'Hits' mais recentes estão fora

A preocupação de deixar o blues falar mais alto ficou clara na recente residência de Clapton no Royal Albert Hall, em Londres, nas últimas semanas de maio, com 11 apresentações. À frente de uma banda tarimbada e tão concentrada quanto ele na tarefa de fazer cócegas em escalas, o homem considerado por alguns uma divindade das seis cordas só revela sua maior preocupação com o público na maneira como compõe o repertório dos shows, sem grandes mudanças nos últimos seis anos.

Ausentes estão todos os discos originais de estúdio desde "Journeyman", de 1989 - ou seja, nada de "Tears in heaven" ou "Change the world". Presentes estão os sucessos mais clássicos, incluindo os que Clapton pega emprestado do cancioneiro do blues, que tanto lhe fez bem e pelo qual ele tanto fez ao lado de colegas de profissão britânicos - o guitarrista é um dos "garotos branco" britânicos a que BB King tanto agradece pela saída da obscuridade num dos filmes mais emocionantes da série de documentários lançada na década passada pelo cineasta Martin Scorsese.

E é com um cover ("Key to the highway", de Charlie Segar), que Clapton inicia os trabalhos e estabelece as regras do jogo. No centro do palco, trajando uma combinação sóbria de calça de brim e camisa escuras de mangas curtas, e com mocassins cor de caramelo, ele e sua guitarra Fender azul-bebê conduzem o show. Sem exagerar nos solos, Clapton também dá espaço para os escudeiros - durante vários momentos da apresentação de uma hora e 45 minutos, são os tecladistas Chris Stainton e Tim Carmon que estão sob os holofotes.

A voz serena de Clapton, mesmo na hora de versos mais "gritados", precisa da ajuda das vocalistas de apoio Sharon White e Michelle John apenas para as harmonias. Velhos companheiros do guitarrista, o baterista Steve Gadd e o baixista Willie Weeks cuidam do andamento, que, apesar da velocidade reduzida, tem lá suas armadilhas. Ainda mais quando "Hoochie Coochie Man", o blues mais famoso do repertório de mestre Muddy Waters, se transforma numa minijam, apesar de ser a apenas a terceira música da noite.

Ajeitando a cabeleira grisalha, Clapton se limita aos "obrigados" entre uma música e outra. Como contrapartida pela falta de amenidades, oferece ao público sucessos. Lá estão "Old love", "Badge", "Wonderful tonight" e, claro, "Layla", ainda que na versão do álbum acústico de 1995, não a pungente original de 1970. "Cocaine" e uma versão bem-comportada de "Crossroads" fecham um show certamente do agrado de um público mais fiel, mas que pode deixar uma plateia menos especializada, ou mesmo uma que há 10 anos espera a terceira vinda de Clapton, querendo mais. A não ser que o velho Mão Lenta tenha guardado alguns truques na manga...

Leia mais sobre esse assunto em http://oglobo.globo.com/cultura/mat/2011/06/19/saiba-como-o-show-que-eric-clapton-trara-ao-brasil-924721260.asp#ixzz1PrWajAW6
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MIKE PORTNOY NA DISNEY

2011-06-20T17:46:00.000-07:00

Nosso grande amigo, Gustavo Marques, em um passeio pela Disney se deparou com um dos maiores bateristas dos últimos tempos, Mike Portnoy(ex DT). Ele estava com a família e foi muito simpático com nosso amigo e fã, que não perdeu a oportunidade e clicou o momento!

A MÚSICA É A MELHOR RESPOSTA 2!

2011-06-20T17:37:00.000-07:00

A história é a seguinte:
A dupla Sons of Maxwell (Dave e Don Carrol) estava viajando para fazer uns shows em Nebraska e os funcionários da United Airlines foram vistos jogando as bagagens deles de maneira negligente. O resultado disso foi que Dave, mais tarde, descobriu que seu Taylor de U$3.500 tinha sido quebrado. Depois de 9 meses tentando fazer com que a UA arcasse com os prejuízos (sem sucesso) ele prometeu que iria compor e produzir 3 músicas narrando o ocorrido. A música novamente é a melhor resposta. A 1ª é essa:

A MÚSICA É A MELHOR RESPOSTA!

2011-06-20T17:13:00.000-07:00

Um artigo da revista “Newsweek”, classificou a cidade americana de Grand Rapids, no Michigan, de “MORIBUNDA”.

Revoltados, moradores e autoridades da cidade se mobilizaram e, em vez de apelar aos tribunais, recorreram à… MÚSICA. Isso mesmo! Música!!

No dia 22 de maio, a cidade parou (literalmente) para gravar um clipe da música “American Pie”, de Don McLean. Entre bandas, desfiles, carreatas, efeitos especiais, helicópteros e até um casamento, 5 mil pessoas foram envolvidas.

A música é a resposta!!!

Sexta Básica - Maio

2011-05-26T08:11:00.000-07:00

Matéria do jornal "O Globo" falando da Rio Música

2011-03-25T11:37:00.000-07:00

NOVOS CURSOS | RIO MÚSICA

2011-03-22T05:33:00.000-07:00

Simpsons NAS GUITARRAS

2011-03-18T14:46:00.000-07:00

SEXTA BÁSICA - MARÇO

2011-02-08T15:35:00.000-08:00

Fotos do Quem Sabe Faz ao Vivo

2011-02-02T03:29:00.000-08:00

Para verem as fotos do Quem Sabe Faz ao Vivo Dez/2010, acessem:

http://migre.me/3Ns78

Show MONTECHIARI PROJECT

2010-09-28T13:32:00.000-07:00

DIA: 06 de outubro - 19h

LOCAL: MOFO | LAPA | RJ

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Link para ouvir o CD Montechiari Project: http://www.myspace.com/montechiariproject

Link para a resenha do Montechiari Project:

http://migre.me/1quac

www.riomusica.com.br

Fotos do "Quem sabe faz ao vivo"

2010-09-13T14:23:00.000-07:00

Já estão disponíveis no FLICKR da RIO MÜSICA S.C. as fotos do QUEM SABE FAZ AO VIVO.

Quem quiser conferir basta acessar: http://www.flickr.com/photos/riomusica2010/

Notícias - Mike Portnoy abandona o Dream Theater

2010-09-10T11:58:00.000-07:00

Músico anunciou saída do Dream Theater, banda lamenta decisão mas garante que seguirá em frente. O anúncio de abandono de Mike Portnoy, baterista e um dos fundadores do Dream Theater, motivou, no site da banda, um comentário dos restantes músicos .

Esta semana, Mike Portnoy avisou aos fãs que estava saindo do Dream Theater.

"Estou prestes a escrever algo que nunca imaginei que fosse escrever: após 25 anos, decidi deixar o Dream Theater. A banda que criei, liderei e amei verdadeiramente ao longo de um quarto de século".

Mike Portnoy explicou que, depois de trabalhar com outros grupos, como Hail, Transatlantic ou Avenged Sevenfold, chegou à conclusão de que se diverte mais e tem "melhores relações pessoais" com aqueles músicos do que com os companheiros do Dream Theater.

Lembrando que o Dream Theater são como o seu "bebê" - "um bebê que acarinhei todo o santo dia desde 1985, 24 horas por dia, sete dias por semana, 365 dias por ano" - Mike Portnoy reconheceu, porém, que "a máquina" da banda estava o consumindo e que o abandono era inevitável.

O baterista explica ainda que o que tinha em mente era um intervalo, e não uma separação, "mas a felicidade tem de vir de dentro, não pode ser forçada".

"Embora me magoe pensar no Dream Theater sem o Mike Portnoy (foi o meu pai que deu o nome à banda!), não quero impedi-los de continuar, por isso decidi sacrificar-me e deixar o grupo para não ir contra os seus desejos", escreveu.

Em resposta a este anúncio de Mike Portnoy, os integrantes do Dream Theater anunciaram a sua tristeza com a decisão. "Não há dúvida de que ele tem sido uma parte muito importante da banda".

O grupo afiança, porém, que vai continuar a trabalhar "com a mesma intensidade e seguindo a mesma tradição musical" responsável pelo seu sucesso.

Em Janeiro de 2011, o Dream Theater lançam um novo álbum.

http://www.dreamtheater.net/

OUVIDO | Raphael Montechiari

2010-08-31T07:47:00.000-07:00

Em minha coluna “Ouvido” desse mês vou falar de um álbum fantástico, um dos mais belos discos de música pop que ouvi, feito no século XXI.

A banda Tears For Fears surgiu nos anos 80 e emplacou vários e vário sucessos naquela época. Desde “Shout”, “Everybody Wants To Rule The World” a “Sowing The Seeds of Love”, passando por "Advice For The Young At Heart" e finalizando com "Woman In Chains". Quem não conhece ao menos uma dessas músicas fabulosas? Os responsáveis por elas eram Roland Orzabal e Curt Smith que, após se desentenderem, se separaram e Orzabal seguiu sozinho com o Tears For Fears, lançando ainda uma coletânea e três discos de estúdio.

Mas apesar de se ter muito a falar sobre todos esses discos, hoje falaremos do “Everybody Loves a Happy Ending”, lançado em 2005. Após a separação dos dois compositores a qualidade dos discos vinha caindo e em 2003 eles resolveram voltar a trabalhar juntos. Foi quando fizeram essa obra-prima. O disco não chegou nem perto do sucesso dos anteriores mas a qualidade de todas as músicas é indiscutível. Pra mim o melhor disco deles e um dos melhores discos de música pop que ouvi na vida!

A primeira faixa é a que dá nome ao disco. Um clima bem melódico, tanto na frase da guitarra quanto nas vozes abre a canção que, subitamente traz um piano marcante após um despertador. E a canção se segue com partes que lembram Beatles, com arranjos típicos “Tearsforfearsenses”. Frases de baixo marcantes, mudanças de climas, baterias retas mas com surpreendentes desdobramentos, além de ótimas pontadas de metais.

Seguindo a sequência temos a “Closest Thing To Heaven”, com uma estrofe bem marcada pelo piano e com timbre inconfundível do Orzabal. O refrão repete o nome da canção com uma bela e marcante melodia, e um baixo faz uma frase que passa a ser tão importante quanto a melodia da voz. Detalhes típicos do Tears For Fears, vide a flauta em “Womans in Chains”, que você não sabe se canta a voz ou se fica repetindo o ostinato. Os detalhes de sintetizadores que acontecem são formidáveis e dão movimento ao arranjo de forma fantástica. O mais legal é que eles revivem a virada invertida, famosa na “Everybody Wants To Rule The World”, no meio da música (2:15).

“Call Me Mellow” segue a tendência de melodias influenciadas pelos Beatles, com a digital deles no arranjo. Refrão marcante e melodioso, dá vontade de ficar ouvindo o tempo todo.

Com um início feito por um loop de bateria, em um tempo muito doido e atravessado, mas criando um clima que só eles conseguem fazer, “Size of Sorrow” mantém o nível de refrãos marcantes e flerta com um reggae no meio da imensidão do pop que eles exalam. Detalhe para a harmonia que caminha para vários lugares mas, pela simplicidade, parece ser feita só de quatro acordes.

Essa com certeza eles não quiseram esconder de ninguém a fonte de inspiração desse disco. A levada da batera nas estrofes de “Who Killed Tangerine?” é exatamente igual a “Come Together”! Um clima sombrio com um mesmo acorde repetido ao piano flui até um refrão marcante e melodioso, como são todos os refrãos deles. E um coda como nos velhos tempos de “Woman In Chains”, pra cima e com cara de final de filme.

Um dos melhores refrãos do disco está nessa música. “Quiet Ones” começa com um refrão comum, nada demais em arranjos ou melodias. Até que faz uma modulação na ponte, preparando para outra modulação fantástica no refrão, de arrepiar. E mais uma melodia inesquecível.

“Who You Are” já começa com uma melodia que vale a pena tirar e ficar cantando sozinho, repetindo por mil vezes até descobrir que se pode cantar de novo. E depois mudar a harmonia e repetí-la de novo. E mudar, mudar e não enjoar. E os arranjos com detalhes pra deixar qualquer um viajando no som. E ela acaba do jeito que começou, dando votade de cantar de novo a melodia principal.

A música que se segue, “The Devil”, tem a melodia menos marcante e menos surpreendente do disco. Mas a sonoridade é sombria e interessante, com vários efeitos e timbres psicodélicos acontecendo ao fundo. Interessante a maneira marcada do compasso 6/8 que ele é feita.

Mas uma com um refrão lindo, melodioso, marcante, vindo de uma estrofe que prepara perfeitamente para o impacto. “Secret World” com seu refrão de dois acordes emociona a quem ouve.

“Killing With Kindness” tem na estrofe a melodia mais bonita, ao contrário do normal, que o refrão se destaca. Com um arranjo mais simples e mais direto essa música não se destaca tanto entre as outras.

Uma bela balada, bem estilo “Coldplay” é a “LazyBird” e fechando o disco com chave de ouro temos a “Last Days On Earth”, um pop bem agradável e de muito bom gosto, nenhuma novidade visto de quem se fala.

Com certeza um disco que não teve o reconhecimento merecido pelo público em geral, talvez por não ter sido dada a devida atenção. Mas se pararem para ouvir uma vez verão que estão ouvindo um dos melhores discos pop da década.

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RAPHAEL MONTECHIARI é professor de piano popular, piano erudito, teclado e Prática de Bandas da Rio Música S.C.

Para saber mais sobre ele acesse: http://www.riomusica.com.br/professor.aspx?cod=19

Links

www.omundomoldado.blogspot.com

www.myspace.com/bandapalaciomoderno

www.myspace.com/montechiariproject

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Crônicas do Mestre Guimas - História das Gerais

2010-08-20T12:49:00.000-07:00

Há pouco tempo tive a oportunidade de partir num sábado à tarde para Belo Horizonte, num encontro de família.

Um fim de tarde mirando as paragens mineiras já seria suficiente, mas outra alegria me chegava aos ouvidos: música mineira. Depois de me deleitar com aquele som montanhês, tentei partir para o racional: como essa música foi se tornar assim tão peculiar? Não faltaram menções ao jeito mineiro de ser, ao fato das montanhas conspirarem a favor de tanta originalidade por isolarem, de certa maneira, aquela sonoridade ali.

O mineiro fica no quartinho, criando acordes “caseiros” e transcendendo as formas tradicionais. Por sorte, sua música vai ficando rica e leve e acaba saindo de lá por vontade própria, ganhando o mundo.

Dois desses “escultores do som” ganharam meu coração ao primeiro acorde ouvido e, sobre eles, gostaria de tecer alguns comentários:

Milton Nascimento, com a voz de mil negros juntos, traz o céu pra dentro de nossa alma ao se acompanhar com aquele mágico violão cheio de movimentos paralelos, blocos de som que a razão não doma, tão brasileiro, tão do mundo... Do menino que experimentava sons no acordeom num dos tantos quintais de Três Pontas surgiria “Cais” (Milton Nascimento / Ronaldo Bastos), canção tão singular, com movimentos livres de acordes menores, ora esbarrando em tons maiores para reforçar a idéia de liberdade, a escolha cantada de esperar a hora certa de partir... E o que dizer de “Maria, Maria” (Milton Nascimento / Fernando Brant), com aqueles acordes tão fortes, variando sob o mesmo baixo e aquela força na voz, traduzindo em fé tantas Marias que buscam um sorriso em meio a um céu de trevas. Milton nos mostra a dor e sua cura.

Toninho Horta cultiva acordes só seus e nunca o casamento de mãos hábeis e violão se fez tão frutífero. Há em sua música algo das raízes mineiras e algo que explode e que pode encontrar qualquer coração universal falando só pelo idioma da luz. “Vento” (Toninho Horta), do seu segundo disco, tem algo vasto, um sopro misterioso no coração reforçado pela seqüência inicial de acordes menores e segue numa valsa de acordes mágicos tão dele, movimentando luzes em nós. “Durango Kid” (Toninho Horta / Fernando Brant) é outra que me dá nó no coração... Tem aquela inconfundível levada de mão direita que o mestre Horta patenteou, com cadências sutis, lindos movimentos de baixo pra demarcar o recado no canto: “Esse jornal é o meu sorriso...” quantas boas lembranças essa música me traz...

Ao pensar na concepção musical desses dois gênios penso que em Milton, só a melodia já me bastava, tamanha a força de seu canto e no caso do Toninho, o que me chega antes é a rica harmonia, cheia de surpresas que indicam um caminho feliz. Mas nenhum dos dois caberia num rótulo de cancionista ou instrumentista. São modernos herdeiros do barroco mineiro, almas onde o som chegou antes da razão...

Não poderia deixar as Gerais sem mencionar Lô Borges e Beto Guedes, mineiros de alma plural – que mora no rock dos Beatles, na bossa deixada por Tom, nos devaneios da cachaça da terra. Daí vem o Tavinho Moura, O maestro Tiso, a turma do 14 Bis... Deles eu falo um outro dia.

Penso então que a música mineira é isso: melodias lindas, ingênuas, sobre um fundo harmônico rico, misterioso, subjetivo... Mas sei que isso não basta. Não se explica tamanha beleza e o carinho no ouvido proporcionado por notas tão sábias.

Calo-me, então e agradeço pelo som numa longa respiração, pedindo para a vida mais tardes como essa e concluindo: o cérebro não comporta essas canções, elas nasceram para morar em nosso coração.

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DANIEL GUIMARÃES é professor de guitarra, violão, bandolim, improvisação e Prática de Bandas da Rio Música S.C.
Para saber mais sobre ele acesse: http://www.riomusica.com.br/professor.aspx?cod=4
Site Pessoal: www.danielguimaraes.net
Perfil Orkut: www.orkut.com.br/Main#Profile.aspx?origin=is&uid=8957802273400044202
Endereço Myspace: www.myspace.com/danielguimaraes76

Pandeiro para leigos

2010-08-04T15:42:00.001-07:00

Reformulação da “Máquina Fonográfica” - Daniel Drummond

2010-08-01T15:51:00.000-07:00

Saudações musicais a todos!

Fico muito feliz e honrado por poder participar desse blog criado pelos amigos da Rio Musica. Se o espaço para música está cada vez mais escasso, iniciativas como essa são louváveis e temos todos que alimentar! Então, pretendo dar minha humilde contribuição e falar sobre o que penso estar acontecendo com a “Máquina Fonográfica”. Obviamente não é verdade absoluta, e, sim, somente meu ponto de vista sobre o atual cenário de produção musical.

Grandes estúdios falindo, gravadoras quebrando ou reduzindo sua estrutura, reformulação do mercado fonográfico, criação de novas mídias para difusão de fonogramas... São muitas as mudanças e não vou falar aqui das possíveis causas e nem das inúmeras conseqüências. Vou me ater a um fato. A proliferação dos pequenos estúdios e dos Home-Studios (estúdios caseiros).

Até os anos 70 e 80 todo o processo de produção musical (gravação, edição, mixagem e masterização) era feito praticamente no formato analógico. Ou seja, era preciso equipamentos físicos, analógicos, grandes, pesados, caros, e, na sua maioria, muito bons! Mas com a digitalização do processo (uso de computadores), muitos desses equipamentos tiveram um concorrente digital. Por exemplo: o que antes era feito com um compressor analógico valvulado passa a ser feito com um plugin (programa que funciona dentro de outro programa que o “hospeda”). Não vou comparar a qualidade de um e de outro (o que seria um tanto polêmico). Mas fato é que o plugin é muito mais acessível ao consumidor (dono de estúdio) do que um compressor valvulado de 2 mil dólares. Sem falar que, ao comprar o tal plugin, o usuário pode usá-lo em quantos canais quiser.

O exemplo dado com o compressor se aplica a 90 por cento da estrutura de um estúdio. Então, hoje se consegue resultados profissionais de extrema qualidade com pouquíssimo material analógico. Com a migração dos periféricos analógicos para os plugins, está tudo dentro do computador. Com os programas e plugins necessários e conhecimento para manipulá-los, é possível fazer todo o trabalho com muito menos custo estrutural do que se precisava até os anos 80.

Como conseqüência, cresce o número de Home-Studios e pequenos estúdios e, como o custo da gravação caiu, a produção se populariza. Quem nunca teria condições de gravar um álbum (ou somente uma música), hoje, com os baixos custos de gravação, consegue ter suas músicas gravadas de maneira profissional. Acho que podemos encarar isso como a democratização do processo de produção fonográfica. Ou já estou viajando demais? Antes, para ter uma música bem gravada era preciso vender seu carro. Hoje, é só vender sua bicicleta!

Por isso, sempre incentivo a todos os músicos e compositores que conheço a gravarem suas músicas. Hoje está tudo mais simples e acessível e não há motivo pra deixar para amanhã. A gravação está para o músico assim como a palavra escrita está para o poeta. Se não gravarmos, a música pode se esvair, sumir. Ao gravarmos, eternizamos a arte e a interpretação da música naquele instante de vida do músico, que é um momento único.

Gravem tudo que puderem!

Abraços musicais,

Daniel Drummond

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DANIEL DRUMMOND é professor de Produção Musical em Home Studio da Rio Música S.C.

Para saber mais sobre ele acesse: http://www.riomusica.com.br/professor.aspx?cod=3

Links

www.danieldrummond.net

www.myspace.com/bandapalaciomoderno

Novos Cursos da Rio Música

2010-07-22T16:02:00.000-07:00

Toca que eu te escuto - Roberto Werneck

2010-07-22T14:53:00.000-07:00

Moderno é fazer bem feito

Por Roberto Montechiari Werneck

De fato, ontem eu aprendi que ser moderno é fazer bem feito. Vou me explicar. Tive a oportunidade de ver e ouvir o show da banda Palácio Moderno na cidade de Cordeiro, RJ. Simplesmente, um momento de extremo bom-gosto. O repertório, impecável; a postura no palco, exata; a comunicação com o público, sinfônica.

As influências são claras e, algumas delas, cantadas. A miscelânea de soul, funk, mpb e elementos de rock, fornecem um cardápio de sonoridade em que se torna difícil manter os pés calados. Entre Sandra de Sá e Roberto Carlos, Kool & the Gang e Guilherme Arantes, surge o próprio Palácio Moderno lançando as suas bases e colunas na estrutura da música brasileira. Mesmo quando fazem cover de outros artistas, a digital da banda está lá, a música se torna deles. Em suas próprias composições, há um sabor de novidade que produz, naqueles que ouvem, uma sensação de que estão a presenciar o nascimento de uma virtude.

A simpatia dos músicos é um show a parte. Guilherme Pinheiro, vocalista, além de possuir uma voz versátil, voz de gente grande, e de um timbre excelente, é capaz de conduzir o público com uma conversa de roda de amigos. Pedro Santos, baixista, é incisivo e envolvente no desempenho das músicas, tanto tocando seu baixo quanto cantando. Daniel Drummond, guitarrista, nos faz pensar que tocar daquele jeito é fácil, faz as músicas escorrerem com sons de sorriso. Raphael Montechiari, tecladista, impressiona pela dinâmica que impõe às músicas, ele é mágico, surge e desaparece ao seu bel prazer. Os metais, à cargo de Vitor de Medeiros (saxofone) e Ramon (trompete), ancoram as músicas com suas rajadas de luz (consegui traduzir dessa maneira o que ouvi). Cristiano Cokada, baterista, bombeia o ritmo do coração de quem ouve com uma exatidão milimétrica.

Ver e ouvir a banda Palácio Moderno nos faz pensar que existe luz no fim do túnel, muita luz. Creio que ainda vamos ouvir muito sobre essa rapaziada que faz a música surgir com aquilo que ela tem de melhor.

Após ler essa pequena resenha você pode estar pensando, isso não é uma crítica. De fato, não é, se crítica for o exercício de falar mal. Diria que esse texto se encaixaria melhor como uma declaração de amor. Amei o que vi e ouvi. Portanto, convido você também a se envolver, pois como eles mesmos cantam, “quem se envolve é Sinvolvão”. Experimente.

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ROBERTO MONTECHIARI WERNECK é psicólogo e teólogo

Para ler mais textos dele acesse:

http://narcolepsiazzz.blogspot.com/

http://tempusvivendi.blogspot.com/

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Para ouvir a banda Palácio Moderno acesse o link abaixo.

http://palcomp3.com/palacimoderno/

http://www.myspace.com/bandapalaciomoderno

Ouvido - Raphael Montechiari

2010-07-01T12:21:00.000-07:00

Esta é minha coluna a "Ouvido", para falar de músicas e bandas que tenho ouvido. Farei algumas análises e chamarei a atenção de momentos das músicas, para os ouvintes se emocionarem tanto quanto eu. Além disso falarei sobre as bandas e destacarei algumas músicas para que o leitor possa buscar e entrar no universo dela.

OUÇA

Neste mês destaco a banda “The Flower Kings”. Esta banda sueca, de rock progressivo, surgiu após o lançamento do terceiro CD solo do guitarrista/vocalista Roine Stolt. Ele já havia lançado dois discos antes, de um pop de gosto um pouco duvidoso, e neste terceiro ele se voltou para o progressivo, tendo rápido reconhecimento no meio. O disco, que se chamava “The Flower King”, nomeou a banda que seguiu um rumo fantástico e se tornou uma das mais importantes do cenário neo-prog.

Roine Stolt é o principal compositor, com Thomas Bodin (tecladista) como principal parceiro. Músicas instrumentais, belas baladas, épicos gigantescos e belíssimas letras, que falam sobre amor, paz e espiritualidade.

Vamos analisar as músicas por vários ângulos, separando-as para exemplificar e já indicando para que os leitores ouçam algumas das maravilhosas músicas dessa banda.

Instrumentais:

A primeira que destaco é a “The Man Whos Walked With Kings”, do disco “Stardust We Are”. A música começa com um clima e depois um pequeno tema, que nos remete a músicas medievais, de bardos e na hora imagino “o homem que anda com reis”. Em seguida (1:45), o tema principal, emociona com sua beleza e melodia, tocada na guitarra, já mudando o clima para um tradicional rock progressivo. Os dois temas vão se entrelaçando (o do rei e o da guitarra) e vão construindo um clima fabuloso, com improvisos do Roine Stolt e belíssimas frases de violão em contraponto. As frases vão se entrelaçando até o fim.

“Theme for a Hero”, do disco “Back to the World of Adventures”, se destaca na beleza das melodias construídas e na tensão preparada para elas, na introdução. O baixo faz linhas impressionantes nessa introdução e, com um tema transitório feito por um synth, o tema principal chega aos 2:00, feito pela guitarra. A levada da bateria, a caixa dobrada com uma pandeirola e a melodia dobrada agora, com um sine lead (som de sintetizador) é lindíssima. Após um B improvisado pela guitarra, o tema retorna, agora com um piano dobrado com o synth. Uma frase de guitarra entrega o segundo tema, o mais emocionante. Em 3:26 o tema chega a arrepiar e quando se repete, com a guitarra uma terça acima, chega ao clímax. Depois os temas vão se repetindo. Destaque para o baixo de Tomas Reingold, sempre marcante e com um bom gosto incrível. No final eles partem para uma improvisação em um solo lídio marcante do Stolt. As viradas e levadas do baterista Jaime Salazar terminam a música num clima de jam.

Ainda do disco “Back to the World of Adventures”, após uma canção belíssima, eles entram uma parte instrumental, na música “Big Puzzle”. Dessa vez são vários temas, sempre muito melodiosos, se revezando. A partir de 2:35, curta o som e as melodias muito bem executadas, em alguns momentos com compassos alternados, que não se percebe de cara, graças às belas melodias soando tudo muito natural. Em 3:43 um tema de órgão muito bom, simples e marcante. Não dá vontade de parar de ouvir os 13:35 da música, sempre com ótimos climas e revezamentos entre canções e partes instrumentais.

A partir de 5:38 da música “One More Time”, do disco “The Sun No Evil”, surge uma parte instrumental fantástica. Vá ouvindo para se ambientar até chegar ao clímax bachiano em 6:50, lindíssimo. O baixo em contraponto com o saw lead (sintetizador) faz uma onda fantástica.

Destaque para Tomas Bodin (tecladista) em “Love is the Only Answer”, ainda do “The Sun No Evil”, em um solo técnico e com um timbre fabuloso (10:13), após viradas fantásticas do Zoltan Csorcsz (baterista).

Tem muita coisa instrumental pra falar dessa banda, principalmente entre as canções. Só lembrei de algumas das mais de 150 músicas nos 10 discos de estúdio da banda.

Baladas:

Começando da “Train To Nowhere” do “Back to the World of Adventures”, passando por “Elaine” e “World Without a Heart”, do disco “The Rainmaker”, contando ainda com a bela “Vox Humana” (Unfold the Future), “The Road Back Home” (Retropolis), “Lucy Had a Dream” (Paradoz Hotel) e fechando com “A Kings Prayer” (Space Revolver), as baladas da banda mostram mais uma vez a genialidade melódica de Roine Stolt e banda. São só algumas, que escolhi rapidamente.

A parte pop/prog:

Algumas das músicas mais pops, pra quem não gosta de muita melodia “torta” e muitos solos. Começo com “My Cosmic Lover”, do disco “Back to the World of Adventures”, com um vocal bem marcante e um baixo frenético, na marcação do baixo-pedal. Uma das características das músicas deles é nos levar a vários lugares ao ouvir sua música. Do “Stardust We Are” separo a “Church Of You Heart”, uma canção melodiosa (é a principal característica das músicas do “The Flower Kings”, por isso a repetição incansável desse adjetivo) e com um arranjo no meio, como um órgão de igreja. Do “Rainmaker” tem a fantástica “City of Angels”, refrão marcante e introdução simples (só na primeira ouvida. Depois se nota os compassos alternados e quebrados). Os backings vocals são perfeitos. Incluiria aqui as duas primeiras do “The Sun no Evil”, que são “One More Time” e “Love Is the Only Answer”. Belos temas, refrãos marcantes e estrofes tão marcantes quanto. O fretless do Tomas Reingold é algo de absurdo. Vou terminar com “Starlight Man”, do “Adam and Eve”, uma das mais belas canções que ouvi nos últimos tempos. Destaque também para a linha do baixo e ainda para a frase que ele faz em 2:38. Só ouvindo.

Épicas:

Depois de se apaixonar pela banda, com as dicas dadas acima, confiando no que estou te escrevendo, invista um tempo em algumas épicas (músicas longas, características de bandas de rock progressivo, de mais de 15 minutos). Ouça a “Stardust We Are” (Star Dust We Are) e viaje nos climas propostos por eles, além das letras. “Love Is the Only Answer” (The Sum No Evil”), “World of Adventures” (“Back to the World of Adventures”), “I Am The Sun Partes 1 e 2” (Space Revolver), The Truth Set Will Free (Unfold The Future) e Love Supreme (Adam and Eve).

Outras:

Poderia citar músicas por várias páginas, uma em cada onda: imagens, climas, descrições. Vou citar duas que ainda não citei, mas que vale a pena conferir a letra. “There’s More To This World” (Retropolis) e “A Kings Prayer” (Space Revolver). A fantástica “A Vampire’s View” (Adam and Eve), com sua letra sinistra e bela, refrão marcante e melodioso e uma interpretação perfeita na voz do Roine Stolt. Vou terminar com duas pra quem curte um som mais pesado: “Adam and Eve” (Adam and Eve) e “Paradox Hotel” (Paradox Hotel).

Enfim, a banda mais perfeita da atualidade, que passeia em várias ondas, climas e lugares, nos fazendo viajar com eles.

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RAPHAEL MONTECHIARI é professor de piano popular, piano erudito, teclado e Prática de Bandas da Rio Música S.C.

Para saber mais sobre ele acesse: http://www.riomusica.com.br/professor.aspx?cod=19

Links

www.omundomoldado.blogspot.com

www.myspace.com/bandapalaciomoderno

www.myspace.com/montechiariproject

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Para ouvir a banda Flower Kings acesse o link abaixo.

www.flowerkings.se

Crônicas do Mestre Guimas - O som e o mapa da saudade...

2010-07-01T11:39:00.000-07:00

Nas conversas com meu passado sempre me vem à mente uma canção...

Apesar das lembranças nos visitarem pelos cinco sentidos, eu, como músico, posso dizer que o que mais tenho na alma são fotografias sonoras... Meu ouvido é minha máquina do tempo.

Nesses tempos de “downloads” descontrolados e visitas recorrentes ao ”Youtube”, ficou fácil achar aquela música de 1988, trilha sonora do meu amor platônico por Juliana, lá da segunda fileira da sétima série B. É ouvir o som e abraçar aquela atmosfera, vem tudo: o perfume dos cabelos dela, aquele sopro ingênuo no peito, as crises de ansiedade, as palavras que não foram ditas...

E o que a música tem pra nos falar tão fundo?

Até hoje não consegui decifrar essa trama de sentimentos...

Os acordes e seus modos tem lá seus sentimentos:

Um acorde do modo maior é alegre, direto, uma esperança que vem com o som... Chama o futuro.

Um acorde do modo menor tem uma beleza enigmática, é nostálgico... Chora o passado.

Será que a saudade é um acorde menor?

As melodias também são assim...

Além disso, tem o ritmo, a letra, o arranjo, ihhh...

Sei que a música sempre esteve lá, no meu íntimo:

Na infância, eram as leves canções pop do rádio, uma ponte prum sonho.

Na adolescência, ao entender o rigor dos homens e suas regras, busquei os sons pesados, queria que a resposta para tudo viesse num “tapa” sonoro...

Na idade adulta, achei espaço para algo mais calmo, subjetivo, diluído, que encontrei na música brasileira e no jazz...

Não sei o que virá... mas me alegra saber que tudo está aí, pra se revisitar e recriar.

Sempre que ouço um rock, me vejo menino, dono do mundo... que sensação legal!

Peço licença então, acabei de me conectar... Parto agora pra outra viagem imaginária com a minha musa da sétima série (ao som do “Legião Urbana”).

Será que agora vou achar as palavras certas?

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DANIEL GUIMARÃES é professor de guitarra, violão, bandolim, improvisação e Prática de Bandas da Rio Música S.C.

Para saber mais sobre ele acesse: http://www.riomusica.com.br/professor.aspx?cod=4

Site Pessoal: www.danielguimaraes.net
Perfil Orkut: www.orkut.com.br/Main#Profile.aspx?origin=is&uid=8957802273400044202
Endereço Myspace: www.myspace.com/danielguimaraes76

Novos Cursos Rio Música S.C.

2010-06-10T07:03:00.000-07:00

Os novos cursos da Rio Música S.C.trazem inovações em uma metodologia nunca antes vista.

• Nova metodologia

• Aulas 100% Práticas

• Salas Climatizadas e Informatizadas

CURSOS PARA QUEM TEM POUCO TEMPO PARA TREINAR

Para se concluir os cursos não é fundamental o estudo em casa, já que nem todos têm tempo para esse estudo. Isso torna possível o aprendizado para as pessoas que querem aprender por hobby, prazer ou mesmo aqueles que querem tocar em bandas ou se apresentarem e têm pouco tempo.

PRAZO E GARANTIA DE APRENDIZADO

Cada curso foi planejado para que tenham seus objetivos e prazos. Assim o aluno saberá exatamente o quê ele aprenderá até o final do curso, já na matrícula.

ESTRATÉGIAS PARA NIVELAMENTO DE TURMA

Sempre serão dadas músicas extras para quem quiser se aprofundar mais e ampliar seu repertório. Isso não atrapalhará o desenvolvimento da turma, já que as músicas extras que serão dadas, foram selecionadas de acordo com a matéria dada na semana. Ou seja, se o aluno não teve tempo de estudar em casa, a aula seguinte não será prejudicada e ele terá todo conhecimento necessário para que a aula siga sem problemas. Aquele que puder estudar terá mais segurança e mais músicas para tocar, mas no que diz respeito ao conteúdo programático, não ficará avançado em relação aos outros.

O fundamental para que esse curso seja concluído com sucesso é a presença em todas as aulas e, para aqueles que precisarem faltar ou tiverem um pouco mais de dificuldade, aulas extras, que serão pedidas pelo professor, se necessário for.

SHOWS E GRAVAÇÕES AGENDADOS NO INÍCIO DO CURSO

Ao final do curso as músicas escolhidas e trabalhadas durante o curso, serão apresentadas em um show final e gravadas em estúdio (opcionais).

PLANEJAMENTO DA GRADE DOS CURSOS

Cada curso feito nesse novo modelo da Rio Música serve de base para outro mais avançado e tudo é planejado para que o aluno possa personalizar ao máximo aquilo que quer aprender.

CURSOS DO 2ºSEMESTRE 2010 – LANÇAMENTOS

TECLADO PARA LEIGOS

Em 16 aulas o aluno aprenderá a tocar melodias acompanhadas no teclado, lendo partituras simples (até semínima, na clave de sol) e cifras (do tom de Dó Maior). Ao final ele estará executando pelo menos quatro músicas dessa forma, que poderão ser apresentadas em um show e gravadas em estúdio.

TECLADO PARA ACOMPANHAMENTO

Em 16 aulas o aluno aprenderá tudo que é preciso para se acompanhar um cantor, coral, um instrumento solo ou uma banda. Nessa primeira parte o aluno dominará os acordes de três sons(tríades), saberá como inverter um acorde, aprenderá o que fazer com o baixo na mão esquerda e conhecerá algumas levadas para um perfeito acompanhamento, sem precisar aprender ler partituras. Curso simples e direto.

PANDEIRO PARA LEIGOS

Em 16 aulas o aluno será capaz de executar ritmos de samba, choro, bossa-nova, samba-canção e partido alto, ganhando noção rítmica e timbrística (variação de timbres no instrumento), além de aprender um tipo de leitura para pandeiro. Com isso terá bagagem suficiente para avançar para outros módulos e até para outros instrumentos de percussão. Ao final ele estará executando pelo menos dez músicas dessa forma, que poderão ser apresentadas em um show e gravadas em estúdio.

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Sugestões de Músicas para o "QUEM SABE FAZ AO VIVO"

2010-06-04T10:37:00.000-07:00

Sugestões de Músicas Para o "QUEM SABE FAZ AO VIVO" 04/07/2010

• "Alberta" – Eric Clapton - Paulo Marcos (guitarra)

• "One Time" Justin Bieber – Pâmela Thompson e Stella Nemer (Violão)

• "Por Onde Andei" - Nando Reis – Pedro Filgueiras(Teclado)

• This Love - Maroon Five – Thiago Vicente (Guitarra)

• "You Belong with Me" - Taylor Swift – Thaís Weller (Violão)

• "Fifteen" - Taylor Swift – Carolina Travassos (Guitarra)

• "When I Come Around" - Green Day - Vinicius Fernandes (Guitarra)

• "Sou Dela" - Nando Reis -

• "Equalize" – Pitty – Lucas Borges (Guitarra)

• "Lanterna dos Afogados" – Paralamas – Leonardo Lemos (Baixo)

• "Fogo" - Capital inicial – Guilherme Hoffman (Baixo)

• "Other Side" - Red Hot – Guilherme Hoffman (Baixo)

• “Segundo Sol” – Daniel Cavazotte (Bateria)

• “Always With me, Always with You “ Satriani – Flavio Guimarães (guitarra)

• “Chão de Giz” (Zé Ramalho) – Eduardo de Almeida (Violão)

• "Let It Be" (Beatles) – Leticia Silveira (Teclado)

• "Sunday Morning" – Bruna Stein (Teclado)

• "Feira de Mangaio" – Raquel Coutinho (teclado)

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Mateus Starling: Dicas de improvisação

2010-05-26T17:56:00.000-07:00

Ola Rapaziada, me chamo Mateus Starling, ministro o curso de improvisação na Rio Música S.C. e vou aproveitar esse espaço para repartir um artigo que eu já havia publicado na revista cover guitarra nº 176, onde sou colaborador e colunista.

Aqui vão algumas dicas de improvisação que servem para qualquer instrumento melódico. Vou tentar organizar de forma clara os tópicos, que podem ser inseridos em seus estudos diários ou de acordo com o seu nível, disponibilidade ou interesse.

O assunto que proponho é usar a escala pentatônica ½ acima ou abaixo da tonalidade em voga. As imagens que exemplificam os conceitos foram extraídas da matéria da capa da revista cover guitarra nª 176 que fiz a respeito de improvisa

ção.

Este conceito já vem sendo utilizado há algumas décadas com muito êxito dentro do estilo jazz, fusion e na música brasileira, mas pode ser aplicada em qualquer estilo.

A grande jogada é não ter medo de tocar a escala ½ tom acima ou abaixo da tonalidade, mas tocá-la com convicção e no momento certo.

Abaixo exponho algumas restrições para o estudo do assunto.

Sobre uma progressão em Am use a escala pentatônica ½ tom acima ou abaixo para obter uma sonoridade momentânea de suspensão. Você pode optar por tocar o inicio da frase usando a escala pentatônica de Am e na segunda parte da frase tocar a mesma pentatônica ½ tom acima como mostro no ex 1.
O mesmo conceito do exemplo anterior pode ser aplicado usando blocos de quartas como demonstro no ex 2.

3. Você pode também usar o conceito do ½ tom acima ou abaixo por 1,2,3 e até 4 compassos. Comece tocando 3 compassos dentro da escala de Am depois use Bbm penta ou Abm penta no 4ª compasso e volte a escala de Am no 5ª compasso.

Quando você começar a se sentir mais a vontade com a sonoridade suspensiva, comece a tocar menos compassos dentro da tonalidade e usar mais compassos com as pentatônicas ½ tom acima ou abaixo. Fique a vontade para também experimentar outras escalas e arpejos e lembre-se de estudar em outras tonalidades.

Grande abraço a todos e fiquem na paz.

Mateus Starling.

http://www.mateusstarling.com.br/ms/

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Sérgio Benevenuto: Resenha

2010-05-26T11:41:00.000-07:00

A porta conceitual aberta pelo lançamento do álbum Sgt. Peppers, dos Beatles, em 1967, com sua ótica positiva, cinematográfica e de instrumentação sofisticada, acabou desencadeando nos anos seguintes um novo segmento no rock(sempre aberto à modificações drásticas em sua história): o rock progressivo. Já em 68/69 chegavam grupos como Yes, Genesis, Emerson, Lake & Palmer e Jethro Tull mostrando ao mundo um rock “de grandes instrumentistas”, peças longas como se fossem “peças clássicas”, e uma quase obsessão pelo perfeccionismo em arranjos intrincados e virtuosos. O mundo do rock, naquele momento, voltou-se boa parte para o estilo e até a metade da década de 70 foram construídos os maiores clássicos do gênero. Mas na segunda metade dos 70 o progressivo é (literalmente) “bombardeado” com a chegada simultânea do punk e da dance music, empurrando-o para uma espécie de limbo, como se fosse sofisticado em excesso para o espírito anárquico do rock e pouco instigante para a dança. Foi injustamente varrido da história, e assim ele permaneceu, e permaneceu, e permaneceu... mas não foi embora. Sobreviveu pelos cantos, com pouca repercussão de mídia, mas sempre com ouvintes fiéis que continuaram acompanhando a chegada de novos grupos e músicos. Hoje, no mundo das múltiplas opções na rede, o estilo se revigora, arranja novos adeptos e vem mostrando sua nova cara. É dessa nova safra que surge o Montechiari Project, grupo brasileiro que se projeta internacionalmente no segmento (as letras são em inglês). Raphael Montechiari, tecladista e também compositor/arranjador da maioria das faixas, capitaneia uma banda segura e talentosa (Mateus Andrade - bateria; Felipe Andrade - baixo; Guilherme Rael - vocal; Daniel Drummond e Estêvão Andrade - guitarras) por doze faixas navegando no que há de melhor no progressivo: concepções originais de base, e equilíbrio entre boas canções e belas cenas instrumentais. Enquanto faixas como The True Story of Alice e Day Dreamer parecem ainda ecoar aqueles mesmos bons ventos que solidificaram o estilo em seus primórdios, em outras a sua fusão com a “postura moderna” (música eletrônica e batida mais dançante) é que revela caminhos novos e surpreendentes, como em Delayed e Surprising World. Como um bom álbum progressivo, o Montechiari Project propõe uma grande viagem musical pelo inesperado e a realiza com competência.

Sérgio Benevenuto.

http://www.sergiobenevenuto.com/

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Link para ouvir o CD: http://www.myspace.com/montechiariproject

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Respire Música 2009

2010-05-21T12:04:00.000-07:00

No RESPIRE MÚSICA 2009, entre várias novidades, deu-se início a um talkshow intitulado "Música no Papo". O “Música no Papo” é o Talk Show Rio Música, um programa de entrevistas, comandado pelo ator Iano Salomão, onde músicos profissionais, alunos da escola, bandas e os mais variados artistas falam sobre seus trabalhos, objetivos e histórias de vida. No primeiro programa o guitarrista Daniel Drummond fala sobre seu primeiro álbum solo, “Faces” e sobre sua carreira de músico profissional. Em seguida Léo Cabelo veludo conta sua história e as histórias de suas músicas. A banda Sound Bullet, formada por alunos da Rio Música, mostra seu som e fala sobre a banda, que tem se destacado. Pra finalizar, o pianista Marcos Leite toca e conversa sobre música clássica, popular e sobre seu CD.

Para assistir as entrevistas basta clicar no link abaixo: www.youtube.com/riomusica

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Novo Blog Rio Música

2010-05-14T07:36:00.000-07:00

Estamos inaugurando um novo espaço para trazer aos alunos e visitantes, notícias sobre música, matérias sobre instrumentos musicais, colunas escritas pelos professores e lista de músicas que os alunos estão trabalhando, para juntar a outros alunos e montar bandas.
Aqui, toda sexta-feira, terá uma agenda, falando sobre os shows e eventos, dos professores e da escola.
Aos sábados teremos uma coluna sobre música, escrita pelos professores, onde haverá espaço para assuntos relativos a técnicas, teoria musical, novidades, músicas para ouvir e muito mais.
Na primeira semana de cada mês, atualizaremos a lista de músicas que cada aluno está estudando em sua aula, para que outros possam se juntar a eles e montar bandas para tocar nos eventos da escola.
Logo mais, começaremos com a agenda semanal e contamos com sua visita no nosso novo blog.

Um abraço,

Equipe Rio Música S.C.

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